Fowizm w malarstwie: cechy nowego trendu

Koniec XIX - XX wieku. - czas pojawiania się nowych, radykalnie nieklasycznych trendów w sztuce, które jednocześnie zafascynowały i zaszokowały publiczność. Jednym z tych uderzających i charakterystycznych trendów był Fowizm.

Historia kierunku

Uważa się, że to fowizm, a nie poprzedzający impresjonizm, stał się punktem wyjścia do destrukcji tradycyjnego malarstwa. Muszę przyznać, że większość przyszłych Fauves nauczyła się od wzorowych rzemieślników: Eugene Career, Gustav Moreau, Leon Bonn, kopiowane wzorowe klasyczne dzieła w Luwrze.

Fowizm w malarstwie zaczął się od okazjonalnego spotkania Maurice'a Vlamincka i Andre Deraina. W rozmowach artyści dowiedzieli się, że oboje są zachwyceni twórczością Van Gogha i obaj niezadowoleni ze stanu rzeczy w sztuce. Taki pogląd Vlaminck można wytłumaczyć faktem, że w przeciwieństwie do Andre nie otrzymał klasycznej edukacji artystycznej i nigdy nie był w Luwrze. Derain, mimo że był przeciwieństwem rozmówcy, również uważał, że realistyczne malarstwo już podupadło, a przyszłość kryje się za nową sztuką.

Następnie, w 1901 r., Zasugerowali, że obraz nie powinien na ślepo kopiować przedmiotu obrazu, mimo że nadal jest skompresowany klasycznym paradygmatem. Opinia przyjaciół została odebrana przez innych artystów, w których głowie znajdowały się podobne myśli.

Charakterystyka przepływu

Czym więc wyróżnia się kierunek malowania Fowizmu? Wielu krytyków sztuki znajduje w nim echo wpływu Paula Gauguina, Georgesa Seurata, Paula Signaca, Delacroix, impresjonistów (w szczególności Moneta) i, oczywiście, Van Gogha, co jest naturalne, ponieważ fowcyści nie mogli tworzyć i rozwijać się w próżni. Ale fowizm w malarstwie ma swoje oryginalne, innowacyjne cechy:

1. Najważniejsze: obraz nie powinien być "niewolnikiem" rzeczywistości - jest niezależny od przedmiotu. Jego istotą jest połączenie kolorów, linii, plam i nie podobnych do przedstawionego obiektu.
2. Bohaterem stworzenia - kolor, czysty i jasny. Stąd też "wrzące" farby i kontrastujące kolory: zielony i czerwony, żółty i fioletowy, niebieski i pomarańczowy. Przedstawiciele fowizmu w malarstwie nazywali je "pierwiastkami pierwotnymi" zdolnymi do poruszania ludzkich uczuć do głębi duszy.
3. Nakładanie farby pociągnięciami o różnych szerokościach (czasami nawet z dużymi plamami), używanie linii, które radykalnie odróżniało je od impresjonistów, którzy kochali małe pociągnięcia pędzlem i nie przyjmowali niczego ostro geometrycznie.
4. Ponieważ wyraźnie zaprzeczono wyraźnej zgodności przedstawianej rzeczywistości, przedmioty zdeformowane zdeformowały się, a sylwetki - niezwykle uogólnione. Perspektywa linearna i powietrzna również nie była wysoko ceniona przez Fauves.
5. W rezultacie obraz fowistyczny jest w pewnym sensie rodzajem arabeski, jasnym, radosnym i dalekim od zwykłej rzeczywistości.

Fowizm w malarstwie: artyści

Pomysły Vlamincka i Deraina były wspierane przez dużą grupę młodych artystów. Wymieniamy ich najwybitniejszych przedstawicieli:

• Henri Matisse;
• Henri Mangen;
• Jean Puy;
• Otho Fries;
• Georges Rouault;
• Louis Walt;
• Charles Comouin;
• Georges Braque;
• Albert Macke;
• Raoul Dufy;
• Kes van Dongen i in.

Henri Matisse stał się inspiratorem i liderem prądu. Zastanówmy się nad tą niezwykłą osobą.

Fowizm w malarstwie: Matisse

Henri Matisse był nie tylko innowatorem - stale odnawiał przeszłość sztuki. Uważał, że sam kolor jest już pełny i samowystarczalny, więc niepotrzebne jest bezpośrednie połączenie go z obiektem: "Kiedy piszę zielony, nie piszę trawy, a kiedy piszę niebieski, nie piszę nieba". On i jego zwolennicy odmawiali mieszania kolorów, nawet najmniejszego śladu konturów przedmiotów - tylko czyste i jasne kolory fabryczne.

Matisse nauczył swoich uczniów malować obrazy "niewinnie", jak robią to małe dzieci. Mianowicie - przenieść na płótno pierwsze wrażenie na temat obrazu. Tylko takie podejście, jego zdaniem, otworzyło drogę do "czystej sztuki".

Jednocześnie głęboko szanował starych mistrzów i często wykorzystywał ich techniki w swoich pracach. Tylko w obrazie Matisse'a stali się fowistami, przerobili zgodnie z prawami jego świata.

Wielu krytyków sztuki, a także zwolenników Henri Matisse'a, wyróżnia jego pociągnięcie pędzla: mistrz dokładnie zmieniał grubość nakładania farby, dlatego tu i ówdzie płótno było widoczne w szczelinach, co tworzyło cudowne połączenie - wydawało się, że kolor na zdjęciu "oddychał". Należy również do wynalezienia nowej sztuki malowania - decoupage, "rysowania nożyczkami". W ten sposób prace uprościły obiekt i jego geometryczne kształty na nowy poziom.

Matisse nigdy nie przelał swoich emocji do swojej pracy. Kiedy stworzył, odwrócił się od świata, od społeczeństwa - od wszystkiego dookoła. Dla artysty było tylko jedno płótno w całym wszechświecie.

Fowizm i społeczeństwo

Pierwsza wystawa Fauves miała miejsce w 1905 roku w sezonie Paris Autumn. Nowi artyści po prostu oszołomili wyrafinowaną publiczność. Ponieważ w hali, w której prezentowano innowatorów, wystawiono także "przyzwoitą" klasycystyczną rzeźbę, wpływowy francuski krytyk i historyk sztuki Louis Voksel przedstawił jej zdanie: "Donatello wśród dzikich zwierząt".

Żałosny sygnał został odebrany przez artystów - Matisse zasugerował, że jego zwolennicy nazywają siebie: Fauvists są dzicy (francuskie "les fauves").

Ale wielu koneserów sztuki, wręcz przeciwnie, wysoko cenili nowe kreacje, w szczególności rosyjskich kolekcjonerów Siergieja Schukina i Iwana Morozowa. Dlatego, przy okazji, w Ermitażu można zobaczyć obszerną ekspozycję stylu Fowizmu.

Sunset Fauvism i jego nowi obserwatorzy

Kierunek życia był krótki - ostatnia wystawa Fauves odbyła się w 1908 roku. Matisse, Marquet i Dufy po tym rozpoczęli opracowywać własną indywidualną wizję Fowizmu, inni artyści zmienili zdanie na temat kubizmu, ekspresjonizmu i innych kierunków.

Fowizm w malarstwie na ten temat nie zniknął: echa można zobaczyć w pracach abstrakcjonistów, "nowych dzikich" (1950-1960), po rosyjsku niebieska róża i "jack diamentów".

Fowizm głosił niezależność obrazu i całej sztuki od rzeczywistości. Jego innowacja polegała również na tym, że była sztuką absolutnie politycznie neutralną, odrzucającą różne dokumenty i inne artystyczne przejawy, oprócz czystego malarstwa.