Obrazy Caravaggia: "Pocałunek Judy", "Chorych Bachusa", "Judyta i Holofernes". Michelangelo Merisi da Caravaggio

Caravaggio Michelangelo Merisi pojmował w swojej sztuce, czym jest śmierć i jak chrześcijanin został postawiony przed jej obliczem, gdzie jest wskazówka, która doprowadzi go do zbawienia.

Sztuka barokowa

Caravaggio jest przedstawicielem sztuki barokowej, która uczyniła ze śmierci życie. Nie można go oddzielić od przemocy i cierpienia. Śmierć i jej obraz uchwyciły uczucia malarza i podporządkowały je sobie. Obrazy Caravaggia są często ekstazą świętych, ich modlitewnej jedności z Bogiem w miłości i śmierci, ich najwyższej pielgrzymce przed jej obliczem. To nie jest już spokojne i spokojne wydarzenie, jak w okresie renesansu. W baroku staje się nie osobistym, ale fakt publiczny, część życia, budzi strach i przerażenie. Człowiek nie po cichu umiera, ale zostaje wyrwany z niej przez przemoc lub zły los. Przykładem tego są obrazy Caravaggia: "Dawid z głową Goliata", "Ofiara Izaaka", "Ścięcie Jana Chrzciciela".

Życie Caravaggia

Caravaggio urodził się jako architekt. Wkrótce opanował podstawy umiejętności i studiował w Mediolanie u artysty Petersana. Szkoła lombardzka dała artyście poczucie życia i chęć jego przekazania. Los artysty był tak trudny, że jego osobowość skłoniła do refleksji. Poszukując swojej drogi w życiu i malarstwie, Caravaggio opuszcza Lombardię i odwiedzając wszystkie miasta północnych Włoch przybywa do Rzymu, gdzie nie ma żadnych patronów. Przy znacznej pracy zwrócił na siebie uwagę wpływowych dostojników kościelnych. Trudno jest osądzić Caravaggia jako człowieka wiary. Brak dowodów z dokumentu. Jako człowiek martwił się o przyjście przed wiecznością.

Takie obrazy Caravaggia, jak "Męczeństwo św. Mateusz "," Pozycja w grobowcu "," Salome z głową Jana Chrzciciela "- to potwierdza. Motyw nietrwałości (vanitas) przechodzi przez całą pracę malarza od młodego wieku aż do śmierci.

Prace graniczne z kolekcji Borghese, 1591

"Chory Bachus" to utwór, który nie pojawił się przypadkiem. Artysta był ciężko chory, został umieszczony w szpitalu, a następnie przeniesiony do piwnicy, gdzie nie był już pod opieką, i był naprawdę na skraju śmierci. Przypadkowo zauważył go tam ksiądz, który znał Caravaggia. Artysta został wychowany na podopiecznych, pod opieką i przeżył. Po wyzdrowieniu w stanie pół chorego maluje obraz "chorego Bachusa", w którym, jak mówią, przedstawił się wciąż w stanie choroby. Świadczy o tym zimna kolorystyka obrazu, a tematem śmierci są zanikające liście na pierwszym planie, które przypominają widzowi, że całe życie jest tylko tymczasowe. Potem coraz częściej włącza w swoje martwe natury, które noszą smak kruchości, przypominają nie tylko o życiu, ale wręcz przeciwnie.

Modlitwa jako Pielgrzymująca Ekstaza

Osoba zostaje doprowadzona do wiary, także poprzez modlitwę. Przykładem takiego duchowego wyczynu dla wierzących w XVI wieku był św. Franciszek z Asyżu. "Ekstaza sv. Franciszek "(1598) dla zwykłych ludzi był przykładem zrozumienia wiary. Przedstawia ekstazę modlitewną równą śmierci. To nie jest śmierć fizyczna, ale duchowe odrodzenie, narodziny człowieka wiary i miłości. Anioł podtrzymujący jego głowę trzyma w ręku stygmaty św. Francis. Ale później (1600) widzimy inny św. Franciszek, jako biedny wędrowiec, jako pielgrzym. Ma szorstką szatę, dziurę w ramieniu. Jest zaniepokojony tym, co pojawi się przed Bogiem, więc trzyma czaszkę w swoich rękach. Obraz "St. Jerome "(1606) - przykład ascezy, która została zaszczepiona w wyżynach ducha poprzez odejście od ziemskich pokus do życia w jaskini. Jego nagrodą jest boskie objawienie. Artysta próbuje przypomnieć o tym publiczności. Martwa natura - książka, pióro - pokazuje, że święty stał się przewodnikiem boskiego słowa.

Twarz śmierci

We wczesnych latach twórczości napisał tradycyjne dzieło Caravaggia - "Meduza" (1593-1594) w formie okrągłej tarczy. Była często portretowana drewniane tarcze pokryte skórą i dały mężczyznom istotne wydarzenia w ich życiu. Nie odchodząc od tradycji, przedstawia potwora w agonii Caravaggio. Meduza u artysty jeszcze nie umarła, minęły ostatnie sekundy. Stan przejściowy jest zapisany, gdy życie jest wciąż obecne, ale kapie, a Meduza to czuje. Twarz wciąż żyje i krzyczy, ale bladość już ją zakrywa, a życie ma zniknąć na zawsze. Obraz Meduzy jest bardzo naturalistyczny, ponieważ powinien być przerażony koszmarem wymarcia. Tymczasem żywe węże kołyszą się wokół jej głowy. Ta i inne raczej okrutne sceny układają się w sztukę Caravaggia.

Atuty wiary

Judith i Holofernes (1595-1596). Ta historia jest. Holofernes z armią oblężoną tubylczą Wettulią, w której mieszkała Judyta. Dziewczyna wkradła się do namiotu dowódcy. Piękna uczta Judith i Holofernes. Nieustraszona dziewczyna zostaje spalona jego winem i odrąbuje mu głowę. Biorąc ją sama, wraca do murów miasta, a głowa Holofernesa jest umieszczona na włóczni do publicznego oglądania. Armia wycofuje się, a ludzie są zbawieni. W Caravaggio przedstawiała jawną przemoc. Na płótnie Judith odsuwa głowę z obrzydzeniem i obrzydzeniem, zachowując od niego dystans. Caravaggio jest jednym z pierwszych, którzy przedstawiają ten moment odcięcia, który jest dość nieprzyjemny z fizjologicznego punktu widzenia: oczy wynurzyły się z orbit, Holofernes ma otwarte usta, krzyczy. Zakłada się, że szef Holofernes jest autoportretem.

Bardzo podobny do jej "Dawid i Goliat" (1596). Na pierwszym planie ponownie brutalnie odcięta głowa. Jest to jeszcze bardziej widoczne w późniejszej pracy o tej samej nazwie, gdy artysta pokazał swoją głowę, odciętą przez Goliata (1605). Gestem teatralnym David wypycha straszną głowę na czoło, jak twarz śmierci. To samo zostało przedstawione w pracy z Galerii Borghese, w której artysta najpewniej sam się napisał (1606). Oto najsubtelniejsza i najbardziej złożona intonacja tragicznej akceptacji śmierci. Takie są obrazy Caravaggia przedstawiające przerażające momenty śmierci.

Ostatnie lata, wędrówki

Motywy śmierci powtarzają się w jego późniejszych dziełach, po tym jak został zmuszony do ucieczki z Rzymu, ponieważ przypadkowo zabił swojego przeciwnika podczas gry i sporu. Papieski dekret artysty został skazany. Wędruje z Malty w latach 1606-1610, a następnie ginie w Toskanii. To w tych latach stworzył swoje najbardziej tragiczne i głębokie dzieła. Pisze kilka wersji "Salome z głową Jana Chrzciciela", "Ścięcie głowy Jana Chrzciciela" (1608, katedra San Giovanni, Valletta). To niewątpliwe arcydzieła Caravaggia, których nikt nie był w stanie odpowiednio naśladować. "Beheading" to wielkie dzieło, które przedstawia zwykły spisek. Jego osobliwość polega na tym, że naprawdę stoimy na ogromnym, opuszczonym dziedzińcu z kolosalnym łukiem wykonanym z kamienia. Szczerość obrazu uwydatnia fakt, że kata odrąbał, ale jeszcze nie podniósł głowy. Znaczy to, że ponownie moment przejścia od żywego do nieożywionego powtarza się, gdy nici życia wciąż wiążą ciało i głowę. Ale przede wszystkim jest to szokujące i tragiczne dla wizerunku, który Caravaggio podpisuje swoim imieniem we krwi, która rozprzestrzenia się z ciała. Z tą krwią łączy się z ofiarną śmiercią Jana Chrzciciela.

Oświetlenie na zdjęciach Caravaggia

Dla Caravaggia światło nie jest tylko narzędziem, za pomocą którego modeluje kształt, nadaje objętość i plastyczność. Światło od artysty - to jest dramat. Identyfikuje główne składniki treści i tworzy je. Artysta wybiera niektóre główne punkty światła, kładąc nacisk na nie. Według źródeł dokumentalnych ze starych autorów wydaje się, że pisał w zacienionym warsztacie i cieszył się sztucznym oświetleniem.

Nieoczekiwane znalezisko

Uważano za dawno zaginiony obraz Caravaggia "Kiss of Judah". W Dublinie w 1990 roku Klasztor św. Ignacego odwołał się do National Gallery of Ireland. Mnisi potrzebowali odbudowy obrazu, w którym byli od lat 30. XX wieku. Konserwator natychmiast zorientował się, kto jest autorem tego arcydzieła, znanego tylko z kopii. Artysta stworzył go na zamówienie swojego regularnego klienta Mattei. Następnie jego potomkowie znaleźli kopię obrazu i sprzedali ją do Szkocji w 1802 roku, gdzie pozostała do 1921 roku i została odsprzedana w Irlandii pediatry. Następnie została podarowana klasztorowi, w którym zawisła w refektarzu. Po odnowieniu obraz pozostał na czas nieokreślony w Galerii Narodowej. Fabuła opiera się na tekście ewangelii. Judasz całuje Zbawiciela, kiedy wyjdzie Ogród Getsemani, powiedzieć strażnikom, którzy powinni zostać aresztowani.