Sztuka kinetyczna - co to jest?

Sztuka kinetyczna jest jednym z wielu nurtów współczesnej twórczości artystycznej. I nie tylko w sztuce, bo istotą tego typu sztuki jest "rewitalizacja" czegoś (rzeźby, obrazy czy jakakolwiek inna kompozycja). W tym artykule przyjrzymy się szczegółowo, czym jest sztuka kinetyczna, kiedy powstała, i wymieniamy najwybitniejszych przedstawicieli.

Termin

Pochodził z greckiego kinetikos, co oznacza "wprawiony w ruch". W rzeczywistości zadania, które ten rodzaj sztuki sobie stawia, to udowodnienie, że nie wszystko leży w płaszczyźnie i pozostaje w bezruchu, nawet jeśli jest to na przykład pytanie o obraz wielkiego malarza. Oprócz ruchu, w tym określeniu występuje jeszcze jeden warunek - trójwymiarowość.

Ruch w sztuce kinetycznej dzieli się zwykle na dwa typy: oczywisty i ruch. Oczywiste jest napędzane przez mechanizmy, wiatr lub przez samych obserwatorów. A wirtualny jest "zwodniczym ruchem", który tworzy światło, nałożenie kolorów, kąt widzenia.

Pochodzenie

Sztuka kinetyczna, której historia sięga nieco ponad sto lat, nie powstała "z pustki". Pod koniec dziewiętnastego wieku, kiedy tacy tytani, jak Claude Monet, Edgar Degas i Edouard Manet już pracowali, wymagania dla sztuki (w tym wizualnej) zaczęły się zmieniać: ruch był potrzebny, "statyczne" już nie imponowało zwykłym obserwatorom. Dobrym przykładem są obrazy Degasa: "Tancerka" i "Portret konia wyścigowego". Widać w nich - artysta próbował "rzucić wyzwanie" tradycjom i wprowadzić ruch na swoje płótna.

Na początku XX wieku znakiem rozwoju rzeźby sztuki kinetycznej - "Konstrukcja kinetyczna" (lub "Permanentna fala") jest autor Naum Gabo. Sam Gabo wierzył, że jego stworzenie - pierwsze w XX wieku, można przypisać nowemu kierunkowi. Zasadniczo trudno się z nim nie zgodzić.

Rozwój sztuki kinetycznej

Powyżej wymieniono tak znanych artystów sztuki kinetycznej, jak Monet, Degas i Manet. Rzeczywiście, oni pierwsi podkreślili ruch na swoich płótnach. Od lat dwudziestych rodzaj kreatywności znajdował coraz więcej zwolenników, a było kilka powodów: dawna wojna zniszczyła wiele starych wierzeń i zasad (w tym kreatywności), potrzebna była nowa rzecz. Ponadto jedną z przyczyn jest postęp techniczny, który w XX wieku nie zatrzymał się na minutę.

Sztuka kinetyczna (zdefiniowana powyżej) przez cały XX wiek łączyła takie rzeczy jak surrealizm, a później - różne kierunki sztuki. Artyści mieli teraz bardzo mało płótna i farby, używali wszystkiego, co można było znaleźć, zwiększając to nie tylko efekt wizualny, ale nadając ich kreacjom dodatkowe znaczenie. Poniżej analizujemy główne postaci sztuki kinetycznej dwudziestego, a później dwudziestego pierwszego wieku.

Manet, Monet i Degas

Po pierwsze, porozmawiajmy o tych, którzy są na szczycie listy artystów pracujących w zupełnie nowych stylach i samolotach.

Edouard Manet to człowiek, który zawsze pisał na styku kilku gatunków i stylów. Być może jedną z prac, która naprawdę otwiera "nową erę sztuki kinetycznej" jest Le Ballet Espagnol (1862). Na tym Obrazek Mane'a Przedstawia moment, a nie statyczne działania - pokazuje także niejasność, na wpół niewyraźne kolory i cień, ukazując obraz jakby "głęboko w dół".

Kolejną pracą wartą odnotowania w Manet jest Le déjeuner sur l'herbe 1863. Ponownie - światło jest niewyraźne, widoczne są cienie konturu, a figura w tle jest jakby w ruchu.

Następnym na liście jest Edgar Degas i jak wielu sądzi, jest on bardziej radykalny w swoich poszukiwaniach niż Mans. Mane szuka fabuły w wyścigach, w tańcach, przedstawiając napięcie i odwagę.

L'Orchester de l'Opera to jedno z najpotężniejszych dzieł artysty. Nie tylko dzieli płótno na kilka planów, tworząc ruch w tle i pokazując prawie całkowicie statyczną kompozycję z przodu. Kolejna godna uwagi praca Degasa zwana Voiture aux 1872.

Nawiasem mówiąc, kilka prac z polo zapałek napisanych w 1884 roku, wśród których wyróżnia się Chevaux de Course, pod wrażeniem nie tylko twórczych bohemy tego okresu i wszystkich miłośników malarstwa, ale także Moneta, które zostaną omówione poniżej.

Degas i Monet, jako przedstawiciele sztuki kinetycznej, byli ogólnie bardzo bliscy stylowi i sposobowi pisania swoich obrazów. Od połowy lat siedemdziesiątych Monet "gropes" nowy styl dla siebie - zaczyna tworzyć ruchy w malarstwie kosztem szybkich, a czasem niezbyt precyzyjnych uderzeń. Taki sposób spowodował nie tylko wrażenie ruchu na obrazie, ale także jakby wibracje. Na przykład: Le Bateau-Atelier w Seine lub Lazare Gare .

Auguste Rodin

Ten artysta był pod wielkim wrażeniem wspomnianej powyżej trójki i początkowo podążał za ich stylem malarskim. Jako krytyk i historyk sztuki opublikował kilka artykułów, w których poparł Moneta i Degasa, teoretycznie próbując uzasadnić swoje eksperymenty. W tych teoretycznych pracach Rodin napisał, że Monet i Degas tworzą na płótnach iluzję prawdziwego życia wraz z całym jego ruchem.

W latach osiemdziesiątych XIX wieku Rodin zaczął ponownie rozważać swoje poglądy na temat malarstwa i doszedł do wniosku, że opinia publiczna wciąż nie jest gotowa, aby dostrzec ruch w obrazach, ponieważ obraz jest przede wszystkim statycznym obrazem.

A jeszcze później, pod koniec stulecia, rzeźbiarz ponownie miał przecenione poglądy, a Roden ponownie rzucił się na próby wprowadzenia ruchu do sztuki. Właściwie za które zaczęli mocno krytykować rzeźbiarza pod koniec jego życia. Ale właśnie to uczyniło Rodina, którego teraz znamy - innowatora i pod wieloma względami twórcę współczesnej rzeźby.

Surrealiści XX wieku: Glazy, Pollock i Bill

Nazwa Glazes była kluczowa pod koniec XIX wieku i na początku XX. Jego teoretyczne prace na temat kubizmu, począwszy od dziesiątych, stają się podstawą dla wszystkich, którzy w taki czy inny sposób mają do czynienia ze sztuką współczesną.

Glaezes podkreślił obowiązkowy rytm na obrazie, co powinno być pokazane z powodu niejasności form i niejasności kolorów. Główny nacisk każdej pracy, jak wierzyli Gleises, musi być zrobiony w ruchu, a wszystko inne jest jedynie tłem.

Bardzo interesującym stylowo był Pollock, który słynął ze swoich metod pracy. Malował farbą, czasem już po skończonej pracy, aby "poinformować" ruch farby o smugi farby. Bardzo często eksperymentował z materiałami, z którymi musiał pracować. W 1947 r. Namalował obraz "Katedrę" aluminiową farbą, a następnie niemal rozpryskał płótno przy pomocy natrysku. Pollock wierzył, że w ten sposób daje wolność sztuce i wszystkim materiałom, które tworzą tę sztukę. W ten sposób artysta rozumiał kinematykę, czyli ruch, na płótnie. Pollock miał znaczący wpływ na pracę drugiej połowy XX wieku.

Następna nazwa to Max Bill, który w 1930 roku znalazł się pod silnym wpływem nowej sztuki i nie mógł jej opuścić do końca życia. Bill pokazał się nie tylko jako artysta, ale także jako rzeźbiarz, architekt i projektant. Do jego najlepszych prac należą "Konstrukcja z zawieszoną kostką", projekt o nazwie Ulm Front i potrójna kolumna w Stuttgarcie.

Rzeźby mobilne lub Sztuka kinetyczna XX wieku

Max Bill na wiele sposobów położył podwaliny pod nową myśl dwudziestego wieku. Według naukowców to właśnie on nadał rzeźbie swobodę ruchu w dużej objętości. W tej sekcji będziemy rozmawiać o zwolennikach Billa: Tatlina, Rodczenko i Kodlera.

Vladimir Tatlin - jest twórcą rzeźby, która stanie się symbolem i wizytówką całego światowego konstruktywizmu i awangardy. Chodzi oczywiście o "Projekt Pomnika Trzeciego Międzynarodówki".

Niektórzy krytycy sztuki nazywają Tatlina tylko kontynuacją idei Picassa. Tatlin jest również bardzo znany ze swoich sporów z Malewiczem, który zawsze podkreślał, że forma i kolor są podstawą kreatywności. Jednak Tatlin utrzymywał pozycję, w której podstawa wszystkiego była dotyku.

Alexander Rodchenko w odniesieniu do swojej pracy opracował następujące credo: sztuka to przede wszystkim wynalezienie nowych form i możliwości. Konieczne jest uznanie tego za duży eksperyment, w którym każda praca jest minimalna pod względem malowniczości i ograniczonej ekspresji. Rodczenko był również znany w Rosji Sowieckiej jako jeden z największych fotografów.

Alexander Kodler jest przede wszystkim związany z skomplikowanymi rzeźbami drutów i złożonych układów, które są również napędzane przez różne mechanizmy lub pod wpływem wiatru (tzw. "Mobilizacja Kodlera"). Jego rzeźby znajdują się teraz w wielu miastach Europy i Ameryki. Na przykład: Stabilny "Człowiek", który znajduje się w Montrealu.

Wirtualny ruch

Od połowy XX wieku nowa sztuka całkowicie przyciągnęła uwagę publiczności. Całkowicie nowe formy, pomysły i rozwój technologii - wszystko to pozwoliło artystom nie być nieśmiałym w wyborze środków przekazu emocji i uczuć.

Po Kodlerze, Tatlinie i Rodczenko Victor Vazareli ogłosił się bardzo głośno. Na swój czas (to jest w połowie XX wieku), Vasarely zwrócił uwagę na wirtualność jego dzieł. Nie bał się próbować ożywić swojej pracy kosztem interakcji, używania energii elektrycznej. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest Gordes / Cristal.

Pojęcie "oczywistego ruchu" i op

Ruch oczywisty jest jednym ze składników sztuki kinetycznej. Opis i wykonanie wielu prac związanych z rozwojem technologii, ten rodzaj ruchu stał się nie tylko popularny, ale także wszechobecny. Termin "op-art" jest zaktualizowaną koncepcją "ruchu wirtualnego" lub "ruchu optycznego". Aby to zrobić, używają nie tylko farb i różnych materiałów, ale także luster, labiryntów, wahadeł i wielu innych.

Wśród najwybitniejszych przedstawicieli, którzy używają i promują op sztuki to: Bridget Riley, Jacob Agamom, Jesus Raphael Soto i wielu innych.

Nowoczesna sztuka kinetyczna

W 2013 r. W listopadzie odbyła się światowa wystawa zatytułowana "5000 ruchomych części". Pokazano prace Arthura Gansona, Ann Lilly, Raphaela Lozano-Emmera, Johna Douglasa Powersa i wielu innych współczesnych artystów. Elementy grafiki komputerowej, labirynty lustrzane, pokazy światła i dźwięku - teraz takie rzeczy można znaleźć wszędzie tam, gdzie chodzi o sztukę kinetyczną. Historia jest interesująca, a fakt, że półtora wieku temu postrzegano ją jako coś niepoważnego, wszedł już do naszego codziennego życia. W końcu ci, którzy są teraz nazywani artystami, nie tylko tworzą "na wezwanie serca", ale także projektują, tworzą projekty i projektują.

Wniosek

Praca artystyczna to już nie tylko pędzle, farby i płótna. Są to całe kompozycje, w których wykorzystują energię elektryczną, światło, dźwięk, różne mechanizmy. W tym artykule zlikwidowaliśmy, czym jest sztuka kinetyczna w malarstwie, prześledziliśmy rozwój tego kierunku od XIX wieku do współczesności.