Art Nouveau w architekturze, malarstwie i wnętrzu. Opis i cechy secesji

Narodziny i kształtowanie stylu Art Nouveau jest złożonym, szybkim i niezwykle znaczącym zjawiskiem. Styl istniał przez około 20 lat, ale miał ogromny wpływ nie tylko na sztukę, architekturę, projektowanie, produkcję dóbr konsumpcyjnych i inne obszary aktywności społecznej. Kierunek zmienił świadomość społeczeństwa w wielu krajach, zerwał długi związek z wcześniejszymi stylami artystycznymi i był rodzajem przejścia do zupełnie nowego. Dlatego, mimo krótkiego okresu istnienia, secesja jest uważana nie tylko za styl czy kierunek, ale przez całą epokę.

Historia tego terminu

Styl ma kilka nazw, ponieważ w różnych krajach został wyznaczony na swój własny sposób. Najbardziej znany kierunek jest jak secesja. Nazwa ta pojawiła się dzięki Siegfriedowi Bingowi, który otworzył w Paryżu galerię z warsztatami artystycznymi Maison de l'Art Nouveau pod koniec 1895 roku, co dosłownie tłumaczy się jako "House of New Art". To nie była pierwsza galeria Binga i wystawiała na sprzedaż zupełnie inne przedmioty wartości artystycznej. Wśród nich były obrazy, wyroby szklane, tapety i tkaniny, meble, lampy, sztućce i wiele innych rzeczy. Jednak wszystkie reprezentowały wyjątkowo nową sztukę: secesję lub secesję. Francuski termin wywodzi się od nazwy słynnej galerii.

W Rosji styl ten był znany jako nowoczesny, w Stanach Zjednoczonych - tiffany. W Niemczech nazywano go "młodym stylem", który brzmiał jak secesja. Nazwa była bezpośrednio związana z satyrycznym czasopismem społeczno-politycznym Jugend. W Szkocji znany był jako "styl Glasgow". Nazwa została nadana na cześć Szkockiego Stowarzyszenia Artystów i Projektantów, co miało ogromny wpływ na kształtowanie się modernizmu w Wielkiej Brytanii. Włosi określili styl jako "wolność", co w tłumaczeniu oznacza "wolność". Ale to nie wszystko, w każdym europejskim kraju styl art nouveau nosił swoją nazwę.

Historia wyglądu

W XIX wieku nie powstał ani jeden nowy styl, tylko rekonstrukcja dawnych trendów historycznych. Imperium, neoklasycyzm i akademizm opierały się na starożytnych kanonach i formach rzymsko-greckich, pseudogotyckim powtórzyły architekturę późnego średniowiecza, we Francji drugie style rokoko, ludwik XV i XVI dziwacznie mieszały się, pseudopopopularny styl i modyfikacje znanych już trendów rozkwitały w każdym europejskim kraju. Twórcy sztuki są zmęczeni powtarzaniem starych i rozpoczęto aktywne poszukiwania nowych form, akcentów i obrazów.

Pierwsza struktura architektoniczna w nowoczesny styl Został zbudowany w Brukseli przez Victora Orga w 1893 roku dla profesora Tassela podczas projektowania jego rezydencji. W Anglii w 1892 roku ukazała się powieść "Śmierć Artura", zilustrowana przez Aubrey Beardsley, a następnie stworzył scenografię do "Salome" (Wahld's play). Subtelne rysunki erotyczne artysty wzbudziły oburzenie publiczności i hype, jednak stały się punktem odniesienia dla nowej sztuki i przyniosły sławę Beardsley. W obydwu przypadkach, zarówno w ilustrowaniu powieści, jak i projektowaniu rezydencji, artyści skupili się na falistych, wyrafinowanych liniach. W tym samym czasie projektanci z Wiednia i Monachium podjęli pierwsze kroki w tym kierunku. Dlatego nie można jednoznacznie stwierdzić, skąd pochodzi styl secesyjny. Wpadł do krajów Europy jako powiew świeżego powietrza jednocześnie z różnych części kontynentu i szybko rozprzestrzenił się w tej części świata, a następnie stał się popularny w Stanach Zjednoczonych.

Trend ten osiągnął swój szczyt po 1900 roku, kiedy to na paryskiej wystawie światowej Art Nouveau stał się dominującym stylem. Eksponaty, pawilony, specjalnie skonstruowane obiekty, a nawet wiele innowacji technologicznych zawierały elementy secesji.

Funkcje stylu

Modernizm charakteryzuje się zaokrąglonymi i pofałdowanymi, często asymetrycznymi liniami, naturalnymi kształtami, abstrakcyjnymi, geometrycznymi, liniowymi konfiguracjami. Bogactwu pomysłów służyła narodowa kreatywność, sztuka krajów Bliskiego Wschodu, Afryki Północnej, Japonii, Indonezji, którą znacznie ułatwiła popularność podróży i kolonialna przedsiębiorczość. Kość słoniowa i drewno egzotycznych drzew, skóry, rogów i skórek zwierząt stały się nie tylko materiałem, ale także inspiracją do tworzenia secesji. Po pochłonięciu i przemienieniu różnych kierunków, narodowej kultury i tradycji różnych krajów, stylizacja, bardziej niż kiedykolwiek, wyróżniała się jako główna estetyczna metoda nowego stylu.

Natura, wraz z niewyczerpanym bogactwem pomysłów, z reguły określała tematy i formy dzieł w okresie nowożytnym. Stylizowane muszle, kwiaty, liście, gałęzie, owady, zwłaszcza motyle i ważki, jaszczurki i węże były często splecione, łącząc się ze wzorami i ozdobami w stylu art nouveau. Następnie kompozycje wykorzystano w zupełnie różnych rodzajach grafiki, sztuki użytkowej, w projektowaniu produktów konsumpcyjnych. Trakcja do naturalnych form nie ominęła ludzkiego ciała jako korony naturalnego stworzenia. Stylizowane wizerunki pięknych pół-nagich kobiet, których ciała nie są wystarczająco zakryte, a jedynie podkreślone przez najlżejsze ubrania, to jeden z charakterystycznych elementów dekoracyjnych tego stylu.

Princes of Art Nouveau

Styl bardzo różni się od wszystkich poprzedzających go kierunków, ponieważ cechuje go maksymalny dekoracyjny ubiór i jest przeznaczony głównie do produkcji utylitarnych, codziennych rzeczy, które wraz z wygodą mają niezwykłą estetykę. Po raz pierwszy sztuka stanęła przed trudnym zadaniem: nie służyła bogactwu i władzy, lecz dostępowi dla dużej części społeczeństwa. Celem większości mistrzów było opracowanie nowych estetycznych form przeznaczonych do produkcji maszyn, nowych materiałów i technologii oraz zaangażowanie jak największej liczby pól ludzkich w dziedzinie piękna. Kolejna cecha tego okresu - chęć zwiększenia komfortu.

Art Nouveau pojawił się pod wpływem nie tylko estetycznych trendów, indywidualnych artystów, patronów i artystów, ale także instytucji publicznych, producentów, wydawnictw. Kierunek obejmował malarstwo i grafikę, architekturę, rzeźbę, dekorację sztuka, przemysłowa produkcja. Styl miał różnorodne funkcje, które manifestowały się w zależności od obszaru jego zastosowania. W każdej z wymienionych dziedzin można nazwać jednostki, których twórczość stała się istotna dla epoki art nouveau.

Architektura

Po pierwszej prywatnej rezydencji, zrealizowanej w jednolity sposób przez Victora Ortę, pomysł ten szybko uzyskał wsparcie w innych krajach europejskich, a następnie w USA. Pomimo tego, że w stylu Art Nouveau wybudowano wiele ciekawszych i oryginalnych budynków, belgijski architekt pozostaje najwybitniejszą postacią architektury secesyjnej, ponieważ jest on założycielem tego kierunku.

Beton, jako nowy materiał, oraz nowoczesna technologia dały więcej możliwości budowy zakrzywionych kształtów, zwiększając liczbę pięter, wielkość okien, okien i łuków. Nad drewnianymi elementami panował wystrój kutego metalu i szkła. Budynki utraciły klasyczne formy, powracające do przeszłości: zabytkowe kolumny i pilastry, szczyty i portyki. Dostosowanie się do masowych wymagań społeczeństwa przemysłowego to trend nowoczesnej architektury. Dlatego podczas budowy budynków mieszkalnych szczególną uwagę zwracano na komfort, instalację windy i centralne ogrzewanie. Styl ten obejmował nie tylko budynki mieszkalne i publiczne, ale także budynki religijne, dworce kolejowe i stacje metra, mosty, pawilony handlowe i przemysłowe, rzeźby miejskie, ogrodzenia i inne obiekty. W zależności od kraju i autora projektu, zewnętrzne oznaki nowoczesnej konstrukcji są znacząco różne.

Wnętrze

W hotelach, restauracjach, instytucjach publicznych i państwowych luksusowe rezydencje wzniosły wspaniałe klatki schodowe, zaokrąglone kształty i fantastyczne przeplot balustrad, które naprawdę stały się dziełami sztuki. Te same opływowe kontury nosiły inne detale w secesyjnym wnętrzu: drzwi, łukowe drzwi, meble, rzeźbione panele, malowidła ścienne, lampy. Witraże są niezwykle modne w takich budynkach.

Przy dekorowaniu wnętrza domów mieszkalnych przedstawicieli społeczeństwa i klasy średniej zaczęto wykorzystywać tkaniny, tapety i dywany. Wyposażenie wnętrz produkowane jest masowo w Niemczech, Belgii i Austrii według szkiców takich projektantów komercyjnych, jak Josef Hofmann, Henri Van de Velde, Richard Riemershmid, Kolomon Moser, których prace charakteryzują się ornamentami o geometrycznych, abstrakcyjnych lub naturalnych motywach w nieco stonowanych odcieniach. Malowanie arrasów ze stylizowanymi motywami secesyjnymi osiągnęło niespotykany dotąd rozkwit. Od początku 1890 r. Wielka Brytania zajmowała wiodące miejsce w produkcji tapet, a także tkanin artystycznych, a wiele z jej fabryk produkowało produkty w stylu modernistycznym na eksport.

Wyposażenie

Meble różniły się znacznie w zależności od kraju, w którym zostały wyprodukowane. Belgia stała się ważnym ośrodkiem produkcyjnym tego okresu. Styl nowoczesności wyraźnie ujawnia się w pracach Victora Ortha, Henri Van de Velde, Gustave Serrourier-Bovi. Ich konstrukcja mebli jest mniej charakteryzowana przez naturalne formy, a bardziej przez zakrzywione abstrakcyjne linie. Meble belgijskiej firmy Van Wisselling & Co. reprezentowały nieco inny kierunek. Projektanci, którzy pracowali dla firmy, stosowali próbki i materiały z krajów wschodnich, w szczególności rasy egzotycznych drzew indonezyjskich i z powodzeniem łączyli je z konstruktywnymi detalami.

W projektowaniu niemieckich mebli artystycznych były dwa kierunki: racjonalistyczny i ekspresyjny. Styl racjonalistyczny wyróżnia się niedrogimi, niedrogimi materiałami, prostotą formy, praktycznością i chęcią tworzenia próbek do produkcji przemysłowej. W przypadku produktów o ukierunkowaniu ekspresyjnym światem wegetatywnym i zwierzęcym był standard.

Wiodący projektanci z Wiednia uważali produkcję mebli za sztukę architektoniczną wyrażającą się w precyzyjnych formach geometrycznych. W Ameryce wciąż dominowały stare tradycje produkcji mebli, a Buffalo Rolfs był jednym z niewielu projektantów, którym udało się dodać do produktów naturalne motywy i podobne do fal secesyjne linie. W krajach Skandynawii i Europy Środkowej ukształtowały się własne tradycje związane ze sztuką ludową i ornamentami narodowymi.

Większość projektantów w Paryżu starała się ożywić wspaniały wystrój styl rokoko lub barokowy. Najważniejszym ośrodkiem produkcji mebli tradycyjnie pozostało francuskie miasto Nancy, w którym dwie firmy, Louis Majorelle i Emile Halle, produkowały wyjątkowe meble w duchu tradycyjnych form i naturalnych motywów.

Secesyjny styl w ubraniach

Nowy kierunek nie dokonał rewolucji w modzie damskiej, dla której w tamtych czasach sylwetki XVIII wieku służyły za wzór. Brak oryginalnych stylów został zrekompensowany przez luksusową dekorację: ornament, haft, warkocz i wstążki, fałdy i falbanki. Wąskie wysokie kołnierze pokrywały kobiecą szyję i podbródek. Sztywny rękaw, bujny na ramieniu, był wąski na łokciu i kończył się pod nadgarstkiem, często sięgając palców. Długi, dotykający spódnicy podłogowej, kształt przypominał dzwonek. Puszyste na biodrach, wracała w fałdach, często zmieniając się w krótki pociąg. Tak więc kobieca postać, wciągnięta w gorset z poduszkami na łaty w dolnej części pleców, wyglądała jak litera "S" w profilu, aby zrównoważyć tę sylwetkę, noszono duże i bogato zdobione czapki lekko poruszające się do przodu. Najbardziej szanowaną i kosztowną, ale raczej ciężką ozdobą czapek były strusie pióra.

Modne buty tamtych lat - spiczaste buty lub półbuty z sznurowaniem ze ściętymi obcasami styl barokowy. Wymagane akcesoria - rękawiczki i parasol - dopełniają strój dzienny. Tkaniny na co dzień: len, wełna, aksamit o spokojnym ciemnym lub pastelowym liliowym, niebieskim, różowym odcieniu.

Wieczorne toalety z reguły miały głęboki dekolt. Szyły z drogich tkanin takich jak szyfon, krepa de chine, muślin, satyna, tiul, koronki i bogato zdobione haftem. Otwarte dłonie były zaciśnięte w długim, powyżej łokciowych rękawiczkach.

Biżuteria

W najbardziej wyrafinowanej formie, styl przejawiał się w biżuterii. A Rene Lalique słusznie uważana jest za geniusz szlachetnej secesyjnej biżuterii. Był rozpoznawany przez współczesnych jako współczesny twórca trendów i kluczowy artysta nowego stylu. Stał się autorem niektórych obrazów, w szczególności stylizowanych owadów, roślin, gadów i postaci kobiecych w postaci motyli i ważek, które następnie zostały zaadoptowane przez ilustratorów i projektantów. Najpierw zaczął łączyć witraże, róg, kły słonia, niedrogie kamienie ze złotem, diamenty, perły i szkliwo. Produkty Lalique przypominają małe obrazy, a dekoracja jego ważki stała się jednym z symboli nowoczesności.

Styl Tiffany

Przedsiębiorstwo Louisa Comforta Tiffany'ego kiedyś przekroczyło chwałę biżuterii jego ojca. Nic dziwnego, że art nouveau w Stanach Zjednoczonych nosi jego imię. Firma Tiffany Glassand Decorating Company, fabryka i fabryka Tiffany Jr., zaprojektowała wiele wnętrz budynków użyteczności publicznej, hoteli, restauracji i domów najbogatszych ludzi w Ameryce. Dziś jednak nazwa wielkiego artysty kojarzy się głównie z lampami i witrażami w stylu secesyjnym.

Szkło było największą pasją Ludwika Pocieszyciela i wkrótce zainteresował się witrażami. Najlepsi specjaliści pracowali w jego przedsiębiorstwie. Obecnie nie można nawet w przybliżeniu określić liczby typów, faktur i odcieni okularów wyprodukowanych w fabryce Tiffany. Z tej bogatej gamy materiałów powstały głównie witraże. Ich Louis Comfort wykonał więcej niż którykolwiek z jego współczesnych. Jego liczne witraże wyglądają jak świecące obrazy z subtelnymi detalami, przejściami kolorów i cieni.

Dla pozostałych kawałków szkła wynaleziono technikę, powtarzającą efekt witrażu w miniaturze, która umożliwiła tworzenie abażurów lamp. Technologia została szybko przyjęta przez innych producentów. Jednak lampy Tiffany zawsze różniły się od jednej cechy: każda szklana, nawet najmniejsza, nie była jednolita, zawsze była zmiana koloru lub plam, gra kolorów lub specjalna tekstura. Z reguły nie jest przezroczysty, ale ma matowe i mleczne szkła o szerokiej gamie odcieni.

Catering

W Stanach Zjednoczonych w tym okresie powstał nowy rodzaj służby, który odrodził się w ciągu XX wieku w przemyśle na dużą skalę i został nazwany gastronomią. Art Nouveau jako styl w żaden sposób nie wpłynął na ten proces, ale zbiegło się z rozwojem nowego biznesu. Na wczesnym etapie organizacja miejsc gastronomicznych została rozpoczęta w 1820 r. Przez czarnych Amerykanów i przeprowadzona w Filadelfii.

Początek profesjonalnego rozwoju biznesu odnosi się do panowania Roberta Bogli, uznawanego za "założyciela gastronomii". Druga generacja "czarnych" barów z przekąskami i gotowych do spożycia filadelfijskich sklepów kulinarnych otwarto w 1840 roku, kiedy Afroamerykanie zaczęli łączyć podobne lokale z restauracjami. Sam termin "żywieniowiec" pojawił się w latach 80. XIX wieku, po tym jak lokalne katalogi zaczęły wymieniać liczne sklepy i kateringi. Wtedy to, w okresie secesji, gastronomia, która stała się opłacalna, zaczęła przechodzić w ręce białych przedsiębiorców. W latach 30. XX wieku "czarne" instytucje prawie zniknęły, a przemysł cateringowy stał się poważnym biznesem.

Nagły koniec

Styl nie przeżył samego siebie, nie zmienił się stopniowo w inne kierunki. Przerwał nagle na początku wielkiej wojny z 1914 roku, która ogarnęła całą Europę, a interesy publiczne skierowały się w innym kierunku. Kiedy skończyły się cztery lata działań wojennych, świat znacznie się zmienił. Kilka największych światowych imperiów przestało istnieć, nastąpiły przemiany terytorialne, zmieniła się inna sytuacja polityczna. Ale najważniejsze jest pojawienie się nowych materiałów i technologii, zwiększenie zdolności produkcyjnych. Główny konsument stał się znacznie większą klasą średnią. Ludzkość żyła w innym tempie i aspiracjach. Od projektantów wymagało to od projektantów bardzo różnych form i linii, aby tworzyć praktyczne rzeczy praktyczne. Zainteresowanie secesją po latach pięćdziesiątych ponownie wzrosło i nie ustało od tego czasu, przejawiając się w różnych dziedzinach sztuki i produkcji.