XVII-wieczne holenderskie martwe natury

Niesamowite zjawisko w historii sztuki światowej miało miejsce w Europie północnej XVII wieku. Jest znany jako holenderskie martwa natura i jest uważany za jeden z szczytów w malarstwie. farby olejne.

Koneserzy i profesjonaliści mają głębokie przekonanie, że tak wielu wspaniałych mistrzów, którzy posiadali najwyższą technologię i stworzyło tak wiele arcydzieł światowej klasy, żyjąc na niewielkiej skrawce kontynentu europejskiego, nigdy nie było widzianych w historii sztuki.

Nowe znaczenie zawodu artysty

Szczególne znaczenie, które nabrało zawodu artysty w Holandii od początku XVII wieku, było wynikiem pojawienia się po pierwszych anty feudalnych rewolucjach początków nowego systemu burżuazyjnego, formowania się klasy miejskich mieszczan i bogatych chłopów. Dla malarzy byli to potencjalni klienci, którzy ukształtowali modę na dzieła sztuki, dzięki którym holenderskie życie stało się popularnym towarem na wschodzącym rynku.

Na północnych ziemiach Holandii reformatorskie nurty chrześcijaństwa, które wyłoniły się w walce przeciwko katolicyzmowi, stały się najbardziej wpływową ideologią. Ta okoliczność sprawiła, że ​​holenderskie martwe natury stały się głównym gatunkiem dla całych warsztatów artystycznych, duchowi przywódcy protestantyzmu, w szczególności kalwiniści, zaprzeczali duchowemu znaczeniu rzeźby i malarstwa na tematy religijne, wypędzali nawet muzykę z kościoła, co sprawiło, że malarze szukali nowych tematów.

W sąsiedniej Flandrii, która pozostawała pod wpływem katolików, sztuka wizualna rozwijała się zgodnie z innymi prawami, ale bliskość terytorialna doprowadziła do nieuchronnego wzajemnego oddziaływania. Naukowcy - historycy sztuki - znajdują wiele rzeczy, które jednoczą holenderskie i flamandzkie martwe natury, zwracając uwagę na nieodłączne fundamentalne różnice i unikalne cechy.

Wczesne kwiatowe martwa natura

"Czysty" gatunek martwej natury, który pojawił się w XVII wieku, w Holandii nabiera specjalnych form i symbolicznej nazwy "spokojne życie" - stilleven. Pod wieloma względami holenderskie martwe natury stały się odbiciem burzliwej działalności Kompanii Wschodnioindyjskiej, która przyniosła luksusowe towary ze Wschodu, których nigdy wcześniej nie widziano w Europie. Firma przyniosła pierwsze tulipany z Persji, które później stały się symbolem Holandii, a to kwiaty przedstawione na obrazach stały się najpopularniejszą dekoracją budynków mieszkalnych, licznych biur, sklepów i banków.

Cel mistrzowskich kompozycji kwiatowych był różnorodny. Dekorując domy i biura, podkreślali dobro swoich właścicieli, a dla sprzedawców roślin kwiatowych, cebulek tulipanów, byli tym, co teraz nazywa się reklamą wizualną: plakaty i broszury. Dlatego holenderski martwa natura z kwiatami jest przede wszystkim botanicznie dokładnym przedstawieniem kwiatów i owoców, a jednocześnie wypełnionym wieloma symbolami i alegoriami. Są to najlepsze płótna całych warsztatów, na których czele stoi Ambrosius Boshart the Elder, Jakop de Hein Jr., Jan Baptist van Fornenburg, Jacob Wouters Vosmar i inni.

Układane stoły i śniadania

Malarstwo w Holandii XVII wieku nie mogło uniknąć wpływu nowych stosunków społecznych i rozwoju gospodarczego. Holenderskie martwe życie z XVII wieku było opłacalnym towarem, zorganizowano duże warsztaty "do produkcji" obrazów. Oprócz malarzy, wśród których istniała ciężka specjalizacja i podział pracy, pracowali tam ludzie, którzy pracowali w oparciu o obrazy - deski, płótno, ziemię, ramy itp. Trudna konkurencja, jak w przypadku wszelkich relacji rynkowych, doprowadziła do wzrostu jakości martwych natur bardzo wysoki poziom.

Specjalizacja gatunkowa przyjętych artystów i charakter geograficzny. Kompozycje kwiatowe zostały napisane w wielu holenderskich miastach - Utrecht, Delft, Haga, ale to właśnie Haarlem stał się centrum rozwoju martwych natur, przedstawiając stoły, produkty i gotowe posiłki. Takie płótna mogą mieć różną skalę i charakter, od złożonego i wielopodmiotowego do zwięzłego. Pojawił się "śniadanie" - martwe natury holenderskich artystów, przedstawiające różne etapy posiłku. Przedstawiają one obecność osoby w postaci okruchów, ugryzionych bułek itp. Opowiadali ciekawe historie wypełnione aluzjami i symbolami moralizatorskimi wspólnymi dla ówczesnych obrazów. Płótna Nicholasa Gillisa, Floris Gerritsa van Schotena, Clary Peters, Hansa Van Essena, Roelof Coatesa i innych uważane są za szczególnie istotne.

Tonalne martwe życie. Peter Claes i Willem Claes Head

Dla współczesnych symbole przedstawiające tradycyjne holenderskie martwe natury były trafne i jasne. Obrazy były podobne w treści do wielostronicowych książek i zostały szczególnie docenione za to. Ale jest koncepcja, nie mniej imponujące i nowoczesne koneserów i miłośników sztuki. Nazywa się to "tonalnym martwym życiem", a najważniejszą rzeczą jest najwyższe mistrzostwo techniczne, zaskakująco wyrafinowany kolor, niesamowita umiejętność przekazywania subtelnych niuansów światła.

Te cechy są w pełni zgodne z płótnami dwóch wiodących mistrzów, których obrazy należą do najlepszych przykładów martwego życia tonalnego: Peter Claes i Willem Claes Head. Wybrali kompozycje z niewielkiej liczby obiektów pozbawionych jasnych kolorów i specjalnej dekoracji, co nie przeszkadzało im w tworzeniu rzeczy o niesamowitym pięknie i ekspresji, których wartość nie maleje wraz z upływem czasu.

Próżność próżności

Temat kruchości życia, równości przed śmiercią oraz króla i ubogich był bardzo popularny w literaturze i filozofii tego okresu przejściowego. W malarstwie znalazła wyraz w obrazach przedstawiających sceny, których głównym elementem była czaszka. Ten gatunek nazywa się vanitas - od łacińskiej "marności próżności". Popularność martwych natur, podobna do filozoficznych traktatów, była promowana przez rozwój nauki i edukacji, której ośrodkiem był uniwersytet w Leiden, sławny w całej Europie.

Vanitas zajmuje poważne miejsce w pracy wielu holenderskich mistrzów tamtych czasów: Jacoba de Gaina Młodszego, Davida Gane'a, Harmena Stenveyka i innych.Najlepsze przykłady vanitas nie są prostymi opowieściami o horrorze, powodują nieprzytomny horror, ale spokojną i mądrą kontemplację, pełną myśli o najważniejsze kwestie bycia.

Obrazy szkopuł

Zdjęcia - najbardziej popularna ozdoba holenderskiego wnętrza od późnego średniowiecza, na które stać było rosnącą populację miast. Zainteresowani kupujący, artyści uciekali się do różnych sztuczek. Jeśli pozwoliły na to umiejętności, stworzyły "trompe l'oeil" lub "tromplay" z francuskiego trompe-l'oeil - złudzenie optyczne. Chodziło o to, że typowe holenderskie martwe natury - kwiaty i owoce, złamany ptak i ryba lub przedmioty związane z nauką - książki, instrumenty optyczne itp. - zawierały kompletną iluzję rzeczywistości. Książka, która wynurzyła się z przestrzeni obrazu i wkrótce spadnie, a mucha siedząca na wazonie, którą chcesz pacnąć, to typowe wątki dla oszustwa.

Zdjęcia czołowych mistrzów martwego życia w stylu "trompley" - Gerard Dow, Samuel van Hoogstraten i inni - często przedstawiają niszę wpuszczoną w ścianę z półkami, na której jest wiele różnych rzeczy. Techniczne umiejętności artysty w przenoszeniu faktur i powierzchni, światła i cienia były tak wielkie, że ręka sama sięgała po książkę lub szkło.

Rozkwit i czas zachodu słońca

W połowie XVII wieku główne rodzaje martwej natury w obrazach holenderskich mistrzów osiągają najwyższy szczyt. "Luksusowe" życie staje się coraz popularniejsze, ponieważ dobrobyt mieszczaństwa rośnie, a bogate potrawy, cenne tkaniny i obfitość żywności nie wyglądają obco w głębi domu miejskiego lub bogatego wiejskiego dworku.

Zdjęcia powiększają się, trafiają w różne tekstury. W tym samym czasie autorzy szukają sposobów na zwiększenie rozrywki dla widza. Do tego tradycyjne holenderskie martwe natury - owoce i kwiaty, trofea myśliwskie i różne materiały stołowe - uzupełniają egzotyczne owady lub małe zwierzęta i ptaki. Oprócz tworzenia znanych alegorycznych skojarzeń, artysta często przedstawiał je tylko dla pozytywnych emocji, w celu zwiększenia atrakcyjności komercyjnej fabuły.

Mistrzowie "luksusowego martwego życia" - Jan van Hoyssum, Jan Davids de Hem, Francois Reykhals, Willem Calf - stali się prekursorami nadchodzącego czasu, kiedy zwiększony efekt dekoracyjny, wywołanie imponującego wrażenia, stało się ważne.

Koniec złotego wieku

Zmieniały się priorytety i mody, stopniowo zmniejszał się wpływ religijnego dogmatu na wybór przedmiotów dla malarzy, sama koncepcja złotego wieku, o której wiedziała holenderska malowidło, przeszła w przeszłość. Martwe natury wpisały się w historię tej epoki jako jedna z najważniejszych i najbardziej imponujących stron.